華僑網 科技教育 【干货1】零基础小白学画画,到底应该从哪下手?

【干货1】零基础小白学画画,到底应该从哪下手?

​本文是我正在写的一本书《从“零基础”到“画啥像啥”——自由手绘必修课》中第一章节的内容。

由于这一章主要讲理论基础,所以都是文字,需要耐心阅读,希望对你有帮助

一起加油呀!

前言:

很多人都希望能画出自己看到的或者是想象中的人物、事物和场景。

但尝试了一下却发现理想与现实相差甚远,要么完全无法下笔,要么画的极度抽象,过了一会之后再看的话可能连自己都看不出画的是啥。

于是感觉自己完全没天赋,就放弃了…

请千万不要这样想,更不要轻易放弃!

画不出来其实是最正常的情况!

因为这里存在一个印象记忆与真实记忆的差别。

印象记忆指的是那些我们看到过的,甚至经常看到的,但却无法在不看的情况下准确默画出来的景象。就好比即便妈妈的面庞已经看过了上万次,却也无法在纸面上把妈妈很像地默画出来。

真实记忆指的则是脑海中那些我们能够准确地默画出来的景象。这种状态类似人体打印机,想到啥就能很像地画出来啥,比如阿拉伯数字,26个字母,常用汉字等。

是的,字,你没看错,就是字。

虽然我们常说写字写字,写楷书、写毛笔字等等,但本质上字也是画出来的呀!

我们以为的“画儿”只不过是比字更复杂、更难记忆而已,难记+用的少=印象记忆=写/画不出来。

其实我们脑海中的绝大部分记忆都是印象记忆,尤其是对于绘画新手来说。

而且零基础的情况下即便是看着真实照片或场景去画也是很难画像的,更别说是仅凭印象记忆去默画。

这就是手残、画啥不像啥的原因,每个人都免不了从这个阶段起步。

所以请不要气馁,更不要认为自己没天赋。

只要按照本书中的方法一步一步训练,每个人都能锻炼出画啥像啥的绘画能力,并让自己喜欢的印象记忆变成真实记忆,随心所欲地画出心中所想。

本书线上公开发布地点在微信公众号“自由手绘”与知乎“何天衢”,在正式出版实体书之前会不断修订,争取做出一本教科书级别的的画画入门书籍。希望大家在评论区多多建言献策,感激不尽!

第一章、明确学习目标,建立起清晰有效的学习路径

没有目标的绘画学习就好像是失去了嗅觉的小蜜蜂一般,这里尝尝那里尝尝,即便勤劳无双,但却得不到好的收获,最终累死在了路上。

目标可大可小,大的可以作为长期目标,然后将其拆解为一个个短期小目标。

需要注意的是,小目标得继续拆解为一个个可执行的训练步骤,并建立起合理且高效的学习路径。

让整个学习过程变得像闯关一样,让闯关者随时可以清晰地看到自己所处的关卡位置,了解自己完成每个关卡所需的大致时间。

更重要是的要清晰自己每打过一关能提升什么能力,能获得什么装备,以及如何画画中灵活运用。

这样的话,我们就不需要把时间浪费在探路找地图上,也可以避免因为一时的挫败而对整个目标失去了完成的信心。

从而获得一种类似于“胸有成竹”的自信:自信虽然自己还是一个新手,虽然遇到的挫折确实很令人失落,虽然自己没有想象中那么有天赋,但只要一步一个脚印闯关下去,自己一定能实现目标。

这是确定目标与优质学习路径的必要性,也是本书的作用之一。

下面我们将尽可能地去穷举各种绘画目标,并归纳出学习路径供大家参考。

1、这里有没有你喜欢的绘画目标呢?

绘画目标可以分为这俩大类:

第一类是想要画出目之所及,把眼睛看见的美好用画画的形式呈现出来。

它可以细分出以下这些目标:

想把好看的东西统统画下来!

想画喜欢的动漫角色;

想给喜欢的人画肖像画,也希望画自己宠物;

想要临摹好看的插画和绘本,并期待有一天能原创;

想临摹大师速写和素描,并期待能掌握类似大师的风格;

想练速写,画手账随手记录生活中的点点滴滴,记录宝宝的成长历程,记录旅途中遇到的美景等;

想学素描,打好绘画基础,以期能实现随心所欲地画画。

想练习起型能力,目前画啥不像啥,实在是太痛苦了!

想临摹别人的优秀设计作品,未来去做相关领域的设计。

喜欢彩铅、水彩、丙烯、色粉、油画等画种,希望能用这些工具画画,至于画啥就看心情啦。

生活压力好大,希望能在画画的时候释放内心的压力,获得快乐和满足感。

这种目之所及可以是临摹别人的作品,也可以是对着照片或者真实世界进行写生。

当然,这里的写生并不意味着我们必须画到与照片或者实景完全一致,毕竟大部分情况下它俩并不完美,需要我们进行一些主观调整。

比如画面中的某些元素之间的位置关系不美观时,我们可以根据需要去移动元素的位置;又比如画面中某些地方的细节太过复杂难以作画时,我们可以对这些地方进行简化、抽象化处理,也可以直接删掉或者替换掉等等,可以在尊重事实的前提下进行类似的小幅改动。

第二类是想要画出心中所想,想把脑海中想象的画面呈现出来。

这也是大多数绘画爱好者的终极目标,同时也是能直接产出价值的一类,因为在人类世界里,一切人造物都需要设计,而绝大多数设计都离不开美术修养,离不开画画。艺术设计的身影几乎无处不在。

它可以细分出以下这些目标:

想自己原创漫画、插画、绘本、动画、原画或动漫等,成为一名职业插画师、自由画家或动画师等。

想做一名设计师,包括但不限于服装设计、平面、UI、建筑、游戏、珠宝、3D 美术、影视戏剧美术、视觉传达、化妆造型纹身、雕塑、陶艺、书籍装帧、产品、工业、景观园林、汽车、室内外设计等等这个世界上有的没的东西,甚至是宇宙飞船、机甲等等,只要你喜欢,都可以进行原创设计,都可以成为那个细分领域的设计师。

想成为一名美术老师,做一位传道授业解惑者,就跟作者一样。

并不是想做某个职业,只是单纯的想拥有随心所欲地画画的能力,也想尽可能多的涉猎不同的绘画工具,比如铅笔、彩铅、水彩、手绘板+ps等、ipad+pencil、丙烯、油画、色粉、马克笔、钢笔淡彩等等。

2、你是想画出目之所及,还是画出心中所想呢?

目之所及是基础,心中所想是进阶,他们其实是一个递进的关系。

为什么这么说?

因为从本质上来讲,画出“目之所及”这件事是对“已有”的再现与记录,而画出“心中所想”则是在设计与创造“未有”。

但这种“未有”并不是无中生有、凭空捏造,而是跟“已有”息息相关的。

“未有”指的是新的工业产品类设计(包含一切人造实体物,比如房子、车子、椅子、衣服、美食等等)。

以及新的艺术设计类作品(包含绘画与部分设计类细分领域,比如海报设计、电影、动漫、雕塑、妆造等等以传达某种信息、理念、故事或美感为主的视觉或视听结合类作品)。

这两种就几乎包含了所有的“未有”。

仔细想一想,其实不论是哪种设计,这些“未有”都存在可追溯的历史。

这意味着,某种设计作品一般不会凭空出现,而是经过了一次又一次的改进和创新,最终才演化成为了我们现在所看到的状态。

所谓“未有”指的是将某种“已有”继续去改进、去创新、去揉合新的元素,去为新的使命而进化。

故而在设计创造“未有”的过程中我们就需要根据设计主题去收集大量的“已有”素材进行参考,也可以对这些素材进行变形、重组和揉合等动作,使其形成一个符合当前需求的新作品。

所以说他们是一个递进的关系。

此外还有一个技术上的原因:

对“已有”进行变形、重组、揉合等动作是一个进阶技能,它需要我们有画啥像啥的临摹与写生能力作为支撑。

比如在找不到某个素材的俯视角度时,需要我们看着这个素材的其他角度去把俯视角度想象着画出来;

比如需要画一个狗头人的时候,得能够把人的身体和狗狗的脑袋融合在一起,狗爪爪还得和人手揉合一下。

更难的是进行人物创作的时候,我们往往找不到刚好合适的人物动态参考图,得找模特现场写生才行。

等等类似的情况都需要我们有足够的临摹与写生能力才有可能在此基础上去进行变形、重组等动作。

而临摹和写生能力刚好可以在画出目之所及的阶段得到很好的锻炼。

所以说目之所及是基础,心中所想是进阶。

如果你的目标在目之所及中的话,那就先安心达成这个目标。

而如果你的目标在心中所想里面的话,就要适当调整一下心理预期,不要直接奔着画出心中所想走。

因为在做不到熟练画出目之所及的情况下去学习如何画出心中所想的话,会非常非常吃力,基本功不够用,学会的希望很小,大概率会中途放弃。

3、为什么一提学画画就离不开令人头疼的素描呢?

或许你曾听说过这样一句受到了广泛认可的话:素描是一切造型艺术的基础,学画画要先学素描再学色彩。

那为什么要这样说呢,必须学习素描不可吗?

这是因为素描中包含了形状、体积感和空间感这三个造型要素。其中形状表达的是世间万物的二维平面状态(表现形式往往是线性速写/线描/线稿),体积感表达的是物体的三维立体状态,空间感则表达的是场景的三维空间状态。当然体积感和空间感的成立还需要对光影原理和透视原理有深入的学习,后者是前者的子集,是素描中的一部分。

而造型艺术的表现形式不是二维平面就是三维立体,刚好需要这三要素作为支撑,所以说素描是造型艺术的基础。

又因为任何形式的画或照片在进行黑白处理之后,它其实都是一个单色的素描状态。

如果我们连单色素描状态下的体积感和空间感都处理不好的话,在画色彩的时候会更加困难。因为每一笔颜色中都包含了明度、色相、纯度三个要素,其中明度(素描关系)对画面效果的影响是最大的。

我们每画一笔都需要同时注意3个要素,其中影响最大的要素还不熟练,可想而知难度有多大。

另外,画画其实就是用某种工具在某种介质上借助形状、构图及颜色等美学方法去传递某种信息的一个过程。而可以用来画画的工具和介质几乎是无穷尽的,任何能留下痕迹的东西以及地方都可以画画。

当我们熟练掌握素描的基础知识之后,再学习一下色彩原理的话。那不论未来选择哪个画种去发展,我们都能在学习一些该画种的工具使用方法与表达技巧之后,快速上手该画种。

因为绘画艺术的底层逻辑都是相通的,离不开形状、体积感、空间感、质感等等这些一通百通的关键基础知识。

而这些知识的最佳承载体就是素描了,所以最好先学素描。

但是很多同学一听到素描就头疼!

抱怨道:我也知道素描重要,可是我去画室学了3个月了,别说画啥像啥了,就是那个几何石膏体我还没画好,太折磨人了,根本学不下去呀!

对此,作者身受同感,我们的传统美术教育的确存在着耗时长、见效慢、比较枯燥的缺点。

基本上除了面临升学压力的高考美术生之外,几乎很少有人能把素描几何石膏体、静物、石膏像、人物肖像、半身像这一套完整地学下来,一来是没有那么长的时间,二来是没那个集训的氛围。

更令人难受的是,社会上的老师们基本都是被这样的教学方法所培养出来的,大部分也只会照猫画虎地去教。

这对于社会上基数更大的兴趣学画人群来说,是一件急需变革的事情。因为它影响了太多太多人的画画积极性,甚至间接影响到了整个社会的设计创新创造力。

4、传统素描教学方法的弊端是什么,我们又应该如何破局呢?

那我们就来需要分析一下,为什么素描学起来这么困难,以及我们应该如何对症下药!

之所以大家普遍认为学画画非常耗时耗力,是一项没有一年半载根本无法入门的技能。

其实这是因为,传统的素描学习路径就好比是一条到处都是十字路口的马路。

但是这马路却没有画双黄线、也没有用白线来区分几车道,红绿灯就更没有了。

全靠你一个零基础的新手在马路上跑来跑去指挥交通。

放在画画中的话,那就是需要在短短几个小时里去注意很多新知识:比如说构图、透视、形状、比例、位置、黑白灰、调子、质感等等。

让你一个新手,去同时学习这么多东西,显然学习效率是非常低的,会顾此失彼,贪多嚼不烂。

就好比一捆柴火用双手无法一起折断,但是一根一根抽出来折,就很轻松了。

所以,破局的关键在于:无限拆解、细嚼慢咽。

刚好有一本书叫做《关键20小时,快速上手任何技能》,这本书中学习新技能的理念可以归纳为16个字:分解步骤、充分学习、克服困难、集中练习。

这与我们的教学思路基本一致,印证了我们的破局思路是正确的。

并且经过我们3年多时间线上线下的教学实践,将其优化为了更适用于绘画技能学习的5个步骤:拆解、模仿、连接、反馈、重复。

这5步具体是什么意思呢?

第一步:拆解

指的是将耗时长、见效慢的传统素描学习路径和高手的黄金作画思路拆分开。

比如传统素描教学方法的步骤是这样的:起形、分明暗、画投影、画明暗交界线、画灰面和亮面、点高光、整体调整、完工。

老师在前面刷刷刷一步一步演示作范画,学生在后面盯着看,老师演示完之后,就让学生去自己画。

看上去似乎很合理,甚至好像已经进行了一些拆解对不对?

但是,新手如果那样学的话,就妥妥滴掉入了前面所讲的耗时长、见效慢的大坑里!

因为这种方法虽然进行了一定程度的拆解,但是详细程度远远不够。

更要命的是,没有进行分步学习!

没有把当前步骤彻底学会再进行下一步。

就好像是短时间内给的吃的太多了,这边第一口还没咽下去呢,那边第十口已经塞进来了(毫不夸张)…

最终实力劝退,让学员实现了还未入门就放弃。

起形为什么难,为什么大家普遍认为练到画啥像啥的程度需要很久很久?

最大的原因就是因为传统方法给出的步骤太笼统了,没有详细且具有普适性的操作指南,学生被迫只能靠着量的积累去慢慢摸索。

当学生偶尔追问老师起形不准具体怎么办?体积感画不出来怎么办?

老师只能答曰:靠感觉啊!离远看啊!要不然就是直接上手帮学生改画…

不过这不能怪老师,因为老师的老师也是那么教他的。

那究竟什么样的拆解才是可以的呢?

在教学实践中我们得出的答案是:拆解到无法拆分出更细的步骤才够,并且把当前最小的步骤彻底掌握、触类旁通之后再进行下一步。

单单是起形这一步,就可以再细分出数十个步骤。

将其一一学会,便可独立画出眼睛所看见的任何事物的形状。

具体步骤的内容请看后续章节。

第二步:模仿

也就是练习,去练习拆解后的高手的黄金作画套路。

但重点是:不要放在一起学,而是要单独学,单独去练习每一步,确保每一步都掌握透彻再进行下一步。

重要的事情说三遍:

看懂了跟能画出来是两码事。每一小步都熟练掌握、触类旁通之后再进行下一步!不要好多个步骤一起学,更不要跳着学!

看懂了跟能画出来是两码事。每一小步都熟练掌握、触类旁通之后再进行下一步!不要好多个步骤一起学,更不要跳着学!

看懂了跟能画出来是两码事。每一小步都熟练掌握、触类旁通之后再进行下一步!不要好多个步骤一起学,更不要跳着学!

就好比吃鲤鱼或者鲫鱼的时候,鱼刺太多了,不能大块肉直接嚼,会刺伤你。

要小口抿,一点一点吃。

学画画也是一样,整个方法套路一下子很难上手,因为工作记忆的容量不够嘛,除非有过目不忘的能力。

但是一小步一小步分开学的话,很容易就能循序渐进地掌握这门技能。

而学不会的原因无关天赋,大概率是因为傲慢,认为自己理解能力强,一看就懂了,看一遍书自己去练习就行。

但结果总是令人悲伤,悲伤的发现,自己竟然第一小步都没办法一次性做好…

进而开始怀疑自己没天赋,怀疑方法不对…

不过这也是人性的必然,毕竟绝大多数的人都认为自己处于平均水平之上。

而处于平均水平之上的人也的确学习的更快,甚至能好几步一起学。

但令人无奈的是,二八定律告诉我们:其实80%的人都处在平均水平之下。

甚至99%的人都处在平均水平之下也不足为奇,因为那个二里面还有二八定律,一环扣一环。

这个社会很奇怪,心急永远吃不到热豆腐;越是想弯道超车越容易翻车;越是奔着钱去,越赚不到钱;越是想加快速度赶时间,最后往往耗时越长。

而那些一步一步踏踏实实坚持下来的人,收获往往都不错。

另外,对于画画来说,它看似是一件非常感性的事情,但在打基础阶段其实是极其理性的。

因为起形、透视、光影、色彩原理等这些基础知识,都能用数学进行完美的解释,它们有着严格的逻辑关系。

如果你认同学习小学和初中的数学不需要天赋的话,那学画画也不需要,最起码做到能画出目之所及与心中所想的程度是完全不需要天赋的(不能把专注力、耐心、韧性等品质当作天赋)。

根据本书的练习方法,一步一步踏踏实实走就都能学会,一起加油!

第三步:连接

当我们把单独的每一小步都彻底掌握之后,就可以去把他们连接起来,尝试整体的走一遍。

当我们自己能够一个人把整套方法顺下来的时候,其实就已经上手了画画技能。

不过学习和连接的过程往往是磕磕绊绊的,总会遇到各种问题无法独自解决,这个时候就需要第四步的帮助。

第四步:反馈

对于学画画来说,除了正确的理论方法之外,最重要的事情莫过于找老师获取清晰明确有具体指导的反馈了。

尤其是在初学者的练习过程中,如果没有老师及时给予作业反馈指导的话,就无法快速迭代自己的作画思路,很容易把有问题的绘画思路固化成不良习惯,从而影响到学习效率。

第五步:重复

在练习思路与作画方法相同的情况下,我们与高手之间最大的差距就只剩下练习数量了。

大量的重复训练可以将作画方法内化成我们的本能,当我们无需思考也能随手画啥像啥的时候,就成为一个小高手了。

而如果你居然能在某个领域积累下一批受到大众认可的优质作品的话,那你就从高手进阶为了大师。

以上这五个步骤,是学习素描的破局之道,也是建立清晰有效的学习路径的指导方针。

5、学画画的重点应该放在哪?

当我们在描摹现实世界的时候,我们得去观察自己画的东西是否与描摹对象有着足够高的相似度。

整个作画过程中,每时每刻都需要去观察、去找不同,并将不同的地方改到相同。

直至改无可改,或者改到不需要再改的程度。

这种找不同的能力叫做观察能力,观察形状本身的差别、形状与形状位置之间的差别、透视关系正确与否、黑白灰对比度是否合适、颜色过渡是否均匀、体积感如何、质感有没有表达到位、色彩关系是否和谐等等。

另外我们在画想象中的景象的时候,其实也是一个不断观察不断修改的过程。只不过此时我们的参照对象是心里想象的那幅画面, 我们要做的事情是让真实画面不断更接近自己脑海中设想的那个样子。

由此可以看出,观察能力是处处需要的核心能力,贯穿学习始终。

不过经常有学生会问:老师,我能感觉到自己某个地方画的不太对,但是怎么改也改不好,这是为什么呢?是因为手残嘛?

很多人会以为这是因为眼高手低,手头功夫不足导致的。

这个解释看上去似乎很合理,但是我们要想一想,是谁在控制着手的行动?

是大脑。

那大脑是依据什么来给手下达指令的呢?

依据的是眼睛看到的图像和脑海里的知识经验。

大脑会分析这些图像,去判断下一笔应该画在哪里、画多长、用多大的力度、等等,然后下达指令让手去执行。

但是每个人的知识储备、经验都不一样,尤其新手更是薄弱,那他做出的判断也大概率不够好用,导致无法用手把问题修改好,反过来还埋冤是手不行…

想到这里我们会发现,其实手只是一个工具,手一旦离开大脑和眼睛之后就没法画画了,自然也就没有所谓的“功夫”了(在这里不考虑条件反射)。

就好比有个新手去空降某地去管理一座城市,他一没经验,二对当地的情况俩眼一抹黑。那当遇到问题之后给出的解决方案也大大概率是片面的、无法根除问题的。

所以,感觉到有问题但是却改不好,不是因为手残,而是因为大脑没有在眼睛看到的图像上用学到的知识经验分析出最要命的画面问题罢了。

此时又有同学问:老师,那画画的时候手抖怎么办,直线画不直怎么办?

抖其实挺正常的,因为凡事总有第一次,而第一次难免会紧张,紧张的生理表现之一就是抖,画的多了自然就不抖了。

直线画不直也是正常的,人体胳膊和手的生理结构决定了我们在不移动身体的情况下,手只能做曲线运动。那些看起来排的很直的线条,一般都是弧线,只是因为线条太短,弧度不明显而已。

具体线条的训练步骤可以在下一章看到。切记不要用找感觉的方式去练线条,那就是在碰运气,效率低且不说,练出来的线条还会很僵硬。很多人把线条画的不好的原因归结为练的少,但其实更多的原因是练习的方式有问题。我们要将好看又好用的线条作画方法拆解开,一步一步分开练习,而不是看一眼之后凭感觉练习。

画画打基础是一件很严谨的事情,不是打架,手上不需要有下意识的动作。每一根线条都有自己的粗细、深浅和形状,我们需要能控制得住它们的变化才能画的得心应手。

综上所述,学画画的重点应该放在:不断提高自己的观察与分析能力,以及寻找并拆解优质的知识经验和作画方法。

6、零基础新手应该依次学哪些内容才能建立起清晰高效的学习路径呢?

第一项:画啥像啥的形状(速写)临摹与写生能力。

世间万物都可以用由线条组成的二维形状去概括,概括出来的形状叫做线性速写、线描或者线稿。

快速且准确的形状概括与细化能力是画画最重要的基础能力,不论画什么都离不开它。

我们要先将这个能力练到画啥像啥的程度再去进行素描上色,千万不要在形状都还无法独立画像的情况下去练习上色!

不然的话,就会经常出现颜色上的差不多了的时候却突然发现形状有问题的情况。

然后就是翻来覆去的改,吃力不讨好,这是传统素描训练方法的弊端之一,不可取。

具体的学习路径为:握笔姿势、万能线条、单个简单形状的作画与检查思路、俩个及以上相连简单形状的作画与检查思路、俩个及以上不相连简单形状的作画与检查思路、从局部到整体与从整体到局部的作画方法、插画类的简单形状线稿临摹、动物速写临摹与写生练习、人物肖像速写临摹与写生练习、一二三点透视原理、圆的透视原理、室内外场景速写临摹与写生练习。

第二项:对世间万物的单色(素描)体积感与空间感塑造能力。

当我们有能力将目之所及的任何事物都用速写或线稿的形式进行准确表达之后,就可以放心大胆地开始训练光影体感表达能力了,这个能力是将二维形状变成三维形体的关键。

倘若没有光我们就无法看见任何事物,睁开眼也只是一片漆黑。但哪怕只有一只萤火虫发出一闪一闪的光亮,我们也可以借此看到萤火虫周围的物体和空间。

如果在物体和空间不变的情况下去改变光源的大小、强弱、远近、色相等要素的话,那我们看到的物体和空间的视觉效果也会发生改变,而且同一场景的光影效果的变化是可以有无数种的。

虽然无法去记住每一种变化,但我们可以学习光影原理,去深入了解光是如何影响物体的,从根本上破解光是如何影响物体的。

先从临摹与写生开始,掌握用素描单色塑造世间万物体积感和空间感的能力。

具体的学习路径为:排线涂色能力、辨识灰度并默画出准确深浅的颜色、不同深浅颜色之间的平滑过渡能力、光影原理、素描几何形体临摹与写生练习、素描静物临摹与写生练习、素描石膏像临摹与写生练习、素描人物五官和局部临摹与写生练习、素描人物和动物肖像画临摹与写生练习、素描室内外空间场景临摹与写生练习。

第三项:通用色彩原理与常见上色工具使用技巧

完成前俩项内容的学习之后我们素描基本功就很扎实了,也可以说是将色彩构成中的形状和明度(亮暗度、灰度)给搞清楚了。

接下来只需要将色彩构成中剩下的色相、纯度(饱和度)和冷暖等因素的原理搞清楚,并学会找到或调制出任何一种自己需要的颜色,就可以上手去探索奇妙的色彩世界了。

具体的学习路径为:色彩相关原理、练习内容的类型与前俩项一致,练习过程中一一讲解电子软件绘画、彩铅、水彩等上色工具的使用技巧。

第四项:想象中的人、物、景之创作能力

完成前三项的练习之后,我们就可以真正做到画出“目之所及”,眼睛所看到的任何景象我们都能根据一通百通的基本功将其画出来。

那接下来我们开始研究如何画出“心中所想”,也就是创作。

具体的学习路径为:人体解剖基础,如何想象着画出任意动作的人体、任意角度的人体、任意表情的头部,如何给人物穿上自己想要的衣服,如何创造出自己需要的场景空间、如何添加进去透视合理风格匹配的家具,如何给一个想象中的空间加上合理的光影关系,如何根据一个主题完成一次完整的创作(思维导图-收集素材、草图、素描、上色)。

以上这四项是一个新手小白从零基础到画啥像啥再到实现自由手绘的已经被验证了的高效学习路径。

——同时也是何老师亲自教授的系列线上课程,并制作了对应的实体练习教材和视频课程,目前正在招生中,何老师一对一辅导教学,课程永久有效,全平台支持上课。

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